Datos personales

Mi foto
"Tu vida no es una coincidencia, es un reflejo de ti"

28 junio, 2011

Luz y velocidad...



Los dos parámetros que controlan el valor de exposición en fotografía son el tiempo de exposición a la luz y su intensidad. En una cámara, el mecanismo que controla el tiempo de exposición es el OBTURADOR y el que regula la intensidad de la luz se denomina DIAFRAGMA, que actúa estrechando el cono de luz que penetra por el objetivo.

La apertura del diafragma

Diafragma: abertura variable del objetivo que controla la cantidad de luz que llega a la película o al sensor. Puede ir delante, dentro o detrás del objetivo según el tipo de cámara que se esté utilizando.

En las cámaras y objetivos, la apertura viene especificada a través de los números “f” que podemos controlar utilizando el modo A (en Nikon) Av (en Cannon) o en el anillo de enfoque si se trata de una análoga. Cuanto más pequeño es este número f, mayor es la apertura y viceversa.



Gracias a esta escala podemos utilizar la cámara en distintas condiciones de iluminación; si abrimos nuestro diafragma, tendrá mayor diámetro y por lo tanto permitirá pasar más luz, si lo cerramos, será lo inverso. Nuestra apertura también determina qué parte de una escena se registra nítidamente en un punto concreto de enfoque. Si tomamos una fotografía con una apertura grande (número f chico) mostrará detalles nítidos solo en aquella parte en donde enfoca el objetivo. La misma foto tomada con una apertura chica (número f grande) tendrá una zona nítida más amplia.
Las distancias que podemos obtener según las posiciones del diafragma pueden ser: primer plano, plano medio y profundidad de campo (paisaje).


Primer plano

Cuando queremos que nuestro elemento más cercano resalte, lo que hacemos es mandar el fondo fuera de foco. Esto se logra con la primera parte de la escala, es decir: f/1.4 – f/2 – f/2.8 – f/4


Plano medio

Le damos importancia a lo que se encuentra a una altura media. En la foto podemos observar que el fondo - por ende las demás personas - están fuera de foco e incluso el inicio del muelle se encuentra también ligeramente desenfocado, mandando nuestra atención directamente a la niña que está en medio. Este plano se logra con las nomenclaturas a mitad de la escala, es decir: f/5.6 y F/8



Profundidad de campo

Refiriéndose ya más a los paisajes. Se logra con f/11 – f/16 – f/22 en adelante. Aquí el fondo tiene que contar con una buena nitidez




Fuentes:




La velocidad de obturación

Cuando pulsamos el disparador de la cámara, en realidad lo que hacemos es accionar el obturador: dispositivo mecánico que controla el tiempo durante el que la luz actúa sobre la película para su correcta exposición. Las cámaras digitales réflex, utilizan un tipo de obturador que se conoce con el nombre de obturador de cortinillas, que en realidad son como dos cortinas (láminas en este caso) que al tomar una fotografía se retira la primera, dejando desnudo el sensor y por lo tanto permitiendo que la luz entre, mientras que un tiempo determinado por la velocidad de obturación después, aparece la segunda cortinilla que cubre el sensor e impide que la luz le llegue más…Se encuentra ubicada justo detrás del espejo de nuestra cámara.
Este tiempo lo podemos controlar desde el modo de disparo S y/ó Tv según el modelo de cámara que tengamos.

La escala de velocidades es la siguiente:

   B
Bulbo   1/1 – 1/2 – 1/4 – 1/8 – 1/15 – 1/30 – 1/60 – 1/125 – 1/250 – 1/500 – 1/1000

El resultado de nuestras fotografías puede variar en función a seleccionar una velocidad de obturación mayor o menor, consiguiendo así efectos como barridos y congelados.


Barridos

Para lograr un efecto de barrido se debe utilizar una velocidad de obturación de 1/30 o menor a esta.






Se hace un barrido de sujeto cuando la escena está enfocada y el elemento en movimiento se muestra rasgado, dando así una sensación de movimiento.










Si, por el contrario, lo que queremos lograr es un barrido de fondo para generar la sensación de rapidez, lo que debemos hacer primero es enfocar el fondo por donde a continuación va a pasar nuestro elemento en movimiento. Un vez que entre a cuadro, debemos apretar el obturador y seguirlo brevemente, así lo que se barre es el fondo y no el sujeto.




Por último, con el bulbo podemos hacer tomas especialmente en la noche y lograr barridos de luz. Este lo podemos dejar apretado según el tiempo que se necesite. El efecto que se logra puede ser de distintos tipos:


En este caso, la fotografía se realizó dentro de un coche en movimiento siendo de noche, y son las luces de las farolas y los alrededores los que dejaron ese rastro impreso en el sensor durante el tiempo en el cual se hizo la fotografía.


Congelados 

Si, a diferencia de los barridos, lo que queremos es congelar el movimiento, deberemos seleccionar velocidades de obturación muy altas: 1/250 en adelante. Así podemos obtener un efecto como este:




 
Con las velocidades 1/60 y 1/125 no se producirá ningún efecto.




Ahora que tenemos la teoría no nos quedemos sentados frente al computador. Agarremos la cámara e intentémoslo. No son tan fáciles como parecen, pero la práctica hace al maestro.


Fuentes:


04 junio, 2011

Born into Brothels: Calcutta's Red Light Kids



Y hablando de fotógrafos, me gustaría dedicar esta entrada a una fotógrafa con un trabajo espectacular. Les estoy hablando de la fotógrafa y documentalista de origen judío:

  Zana Briski  

"Me siento en casa en todas partes
y en ninguna en concreto".

Zana Briski, nacida el 25 de octubre de 1966, se interesó en la fotografía desde que tenía diez años. Tras obtener un Master en la Universidad de Cambridge, estudió fotografía documental en el Centro Internacional de Fotografía en Nueva York. En 1995 hizo su primer viaje a la India, produciendo un foto-reportaje sobre el infanticidio de niñas. A su regreso, en 1997, comenzó su proyecto sobre las prostitutas del barrio rojo de Calcuta, documental estadounidense que obtuvo el premio Oscar al Mejor Documental del año 2005.



 



Este es un interesante documental en donde Zana Briski al estar persiguiendo la triste realidad de la prostitución en Calcuta termina involucrándose afectivamente con los niños y niñas que viven una durísima experiencia de vida. Ellos no tienen más futuro que convertirse en delincuentes o prostitutas. Es así como Zana se establece y convive con ellos para entender sus vidas, tratando de conseguir los medios necesarios para darles educación, ingresarlos en un internado de menores o enseñándoles su propia profesión para hacerlos de esa manera sentirse útiles y con esperanzas. Así fue como les dio las cámaras y les impartió clases de fotografía. Los niños llegaron a tomar fotos muy buenas, podemos apreciarlas a lo largo del documental. Su cámara se convirtió en su mundo. Registraron su alrededor, lo que veían, incluso lo que sentían.  


A continuación les dejo la sinopsis y el tráiler de dicho documental:

 
"Sinopsis de Los niños del Barrio Rojo/ Born into Brothels"
Los niños del Barrio Rojo de Calcuta viven rodeados de pobreza, abuso y desesperación. Zana Briski, fotógrafa profesional, intentó ofrecer una oportunidad a los hijos de las prostitutas de este barrio regalándoles cámaras y material fotográfico. Una instantánea fue el vehículo para traer la esperanza y la ilusión a una de las zonas más pobres del mundo.

video


Briski ha recibido numerosos premios y becas de investigación, como la del George Soros´ Open Society Institute, la de la Fundación Alicia Patterson, la de la New York Foundation for the Arts y la Howard Chapnick para el progreso del foto-periodismo. Briski y el co-director de Los Niños del barrio rojo recibieron becas del Sundance Institute, de la Jerome Foundation y del New York State Council on the Arts, por Nacidos en el barrio rojo. Briski es también la fundadora de la organización sin ánimo de lucro, Kids With Cameras (niños con cámara).

03 junio, 2011

Capturando fotógrafos




Un fotógrafo es la persona que cuenta con la pasión para registrar los momentos que le llaman la atención a su alma. Sus ojos siempre están abiertos, buscando la historia, la persona o el momento perfecto. Su cámara se vuelve una extensión más de su cuerpo, o su mejor amiga. Cuenta con la valentía para obtener su foto, sin importa el calor, el frío, lo muy tarde que es, lo temprano que hay que levantarse buscando un amanecer perfecto o cualquier obstáculo que pueda atravesársele. Un fotógrafo es quién está enamorado de su trabajo y descubre como ser excepcional al expresar la pasión que lo quema por dentro, fijando así la eternidad en un instante.


Fotógrafos excepcionales hay muchos, cada uno a su manera. Por eso Henri Cartier Bresson es considerado como uno de los fotógrafos más importantes del S.XX





Nacido en Francia, 1908. Sus estudios se inclinan hacia la pintura y literatura, realizados en Cambridge, pero es en 1931 cuando comienza su andada como fotógrafo, recorriendo el mundo con su irremplazable cámara Leica.

Es considerado como padre del “momento decisivo” es decir; que observa los personajes, ordena elementos y elige el momento del disparo en ese breve instante en que todo forma un conjunto significativo. Según él, la creatividad en la fotografía se reducía a la fracción de segundo en que se toma la foto. “Tu ojo debe ver una composición o una expresión que la vida te ofrece, y entonces debes calcular con intuición cuándo hacer clic con la cámara. Ese es el momento en que el fotógrafo es creativo.” El momento decisivo puede ser visto como el único momento creativo del fotógrafo.
Cartier es en definitiva un maestro en esa detención del tiempo con sus dibujos instantáneos. Su técnica consistía en jamás recortar los negativos se positivan completos, sin encuadrar ni cortar nada. Eso denota una composición rigurosa, previa a la toma.

En las fotografías de Cartier-Bresson todo parece estar en su lugar. Hay algo sutil y delicado en la manera como las líneas, las texturas y las formas –sombras, paredes, calles, columnas, personas– se relacionan unas a otras, creando misteriosos patrones, arreglos y armonías. Tenía una cualidad inefable, siempre lograba que el  fondo prevaleciera sobre la forma.


                                                                 Atras de la estación de Sain-Lazare, París, 1932

Fue uno de los fundadores de la Agencia Magnum, iniciativa que ofrecía a los autores una elección libre de los trabajos que documentarían, editarían y publicarían.

Murió en el 2004, a los 95 años de edad. Al final, la pintura fue su último amor. Siempre aclaró que el placer de fotografiar y pintar era el mismo, solo que en la fotografía entraba la acción inmediata, mientras que en la pintura encontraba meditación. De todas formas, su legado fotográfico es indudable.

Fuentes:




Graciela Iturbide

"Desde el primer momento que tomé mi cámara ha sido importante para mí describir la cultura del mundo mediante mis imágenes. Siempre me sorprende cuando puedo capturarla. La fotografía es la mejor parte de mi vida."


"Ojos para volar" Graciel Iturbide



Influyente fotógrafa de América Latina dentro de las cuatro últimas décadas, debido a que cuenta con un estilo basado en su fuerte interés hacia la cultura.

Nació en México en el año de 1942, siendo la mayor de 13 hijos. A los 20 años se casó con el arquitecto Manuel Rocha, con quién tuvo tres hijos. En el año de 1960, estudió en el cetro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Autónoma de México. Ahí conoce a su mentor: Manuel Álvarez Bravo, de quién aprendió mucho al ser su alumna y asistente.

En 1970, su hija de seis años muere súbitamente. Esto presenta un giro importante en el trabajo de Graciela, desde ese momento ella se dedica a la búsqueda de la muerte con intenciones de obtener su registro en una foto.

En 1975 toma parte en su primera exposición "Tres fotógrafas mexicanas", la cual se lleva a cabo en la Galería José Clemente Orozco, en la Ciudad de México.




 MUERTE EN EL CEMENTERIO (1978) GRACIELA ITURBIDE 


Es con esta foto que cierra el ciclo que había abierto con la muerte de su hija. Era 1978, ella venía de visitar la tumba de su hija cuando encontró el cuerpo. Al fotografiarla sintió como si la muerte estuviera posando para ella, pues no entendía como había llegado el cuerpo hasta ahí. En lo personal, la foto sí tiene una huella de muerte en esencia.







Nuestra Señora de las Iguanas, Oaxaca, 1979




A diferencia de Cartier, ella se considera más reposada, prefiere lo estático y le obsesiona la composición: “Antes que el tiempo, me interesa la plasticidad del símbolo.” Su obra se caracteriza por imágenes que muestran una gran sencillez, donde retratar significa participar de la vida de las personas, así como del ritmo y calidez de su gente y tradiciones.

La Fundación Hasselblad eligió a la fotógrafa mexicana Graciela Iturbide como ganadora del Premio Internacional de la Fotografía 2008, considerado por algunos como el premio nobel de la fotografía. 
Fuentes:



Pedro Meyer

Uno de los fotógrafos más destacados a nivel mundial. Puntero en la fotografía digital Y pionero en la utilización de la tecnología en la cuestión fotográfica, así pues revolucionó la manera de concebir la fotografía y alteró la visión de este arte como medio para captar la realidad de manera fiel.

Nació en España, 1935. A pesar de que su afán de fotografiar estuvo presente desde la niñez, no fue sino hasta los treinta años que decidió dedicarse por completo a la fotografía.

Todos somos palomas © Pedro Meyer

Pedro Meyer, Ipanema


Fundador y presidente del Consejo Mexicano de Fotografía y el organizador de los primeros tres Coloquios Latinoamericanos de Fotografía. Ha sido maestro en varias instituciones de prestigio además de ser el editor, fundador y director del destacado portal web ZoneZero, el cual presenta el trabajo de más de mil fotógrafos de todo el mundo.


Cuenta con más de 40 exposiciones individuales y un sin número de colectivas. Entre las distinciones más relevantes se encuentran el premio Internacional di Cultura, Citta di Anghiari de Italia; y la beca de la fundación Guggenheim de EUA.


En 1991 publicó el primer CD ROM del mundo que tenía sonidos e imágenes completamente integrados titulado "Fotografío para recordar"  (enlace directo) mostrándonos las fotos de su álbum mientras nos va narrando su experiencia. Si tienen la oportunidad de verlo, háganlo. Las fotos son en verdad hermosas en un sentido conmovedor.


En el 2004 surgió uno de sus proyectos más importantes denominado como “Herejías” constaba de más de 60 exhibiciones en 17 países alrededor del mundo, una base de datos que contiene el trabajo de su vida entera.

Fuentes:




Francisco Mata Rosas

«Con los años, a menudo he descubierto los paralelos existentes entre las fiestas y la vida cotidiana en la Ciudad de México, he notado la relación entre los actos políticos y las expresiones religiosas. He ligado paisajes urbanos con sentimientos, encontrado explicaciones para lo que es colectivo dentro de lo individual, traté de entender el mecanismo interno que permite la convivencia en esta ciudad, y reclamé algo que ya me pertenecía, un sentido del humor e ironía que son parte de nuestra realidad. En estos barrios, en estas fiestas, en estas calles, frecuentemente me topé con lo que ya había visto y reconocí en medio de este desorden y caos visual, al arte prehispánico, colonial y contemporáneo, solo hay que aislarlos. Casi todo el tiempo me sentía limitado por el medio que elegí- la fotografía- pero por otra parte, reconocí sus virtudes de síntesis, dramatización y sobre todo, metáfora. También comprendí que la ciudad es demasiado vasta para ser contenida o fotografiada en su totalidad.

Cuando esta certeza se volvió parte de mi trabajo, mi angustia y mis pretensiones se redujeron, ya no quería documentar ampliamente las tradiciones, ya no me preocupaba por ofrecer un testimonio definitivo sobre la Ciudad de México en la recta final del siglo XX, solo quería estar ahí, ser parte  de esos ciclos, de confirmar mi gusto por el caos y el orden que se crean en los días de fiesta, de las treguas acordadas entre los barrios bravos y sobre todo, solo quería hacer bien mi trabajo, fotografiar para mí, para mi esposa, mi familia y mis amigos»

Uno de los fotógrafos mexicanos más reconocidos a nivel internacional,
destacando su mirada sobre sitios y temas cotidianos de la ciudad de México.



Nació en la ciudad de México, 1958, donde radica desde entonces. Obtuvo la licenciatura en ciencias de la comunicación de la Universidad Autónoma Metropolitana, campus Xochimilco. Se desempeñó como foto reportero para el periódico de Jornada durante seis años.
"Misterios"
Sus trabajos fotográficos se han publicado en algunos de los periódicos y revistas principales de los Estados Unidos, España, Canadá, Italia, Inglaterra, y México. Recientemente ha tenido exposiciones en México, Holanda, Alemania, Italia, España, Francia, Inglaterra, los Estados Unidos, Escocia, Japón, la Argentina, Brasil, Panamá, Uruguay, Ecuador, Perú, Honduras, Cuba y Costa Rica, por mencionar solo algunos.

 

Mata Rosas ha obtenido, entre otros, los siguientes reconocimientos:

- Premio de adquisición de la Bienal de fotografía mexicana, 1988
- Mención honorífica en el concurso del bicentenario de la revolución francesa 1989 Beca para jóvenes creadores del fondo nacional para la cultura y las artes (FONCA), 1989
- Tecera Mother Jones Anual EE.UU. 1993
- Beca de coinversión del FONCA , 1994
- Primer premio internacional del Internet en Japón, 1997
- Premio promocional del FONCA, 1999

"Palabra de Dios"
1996
Iztapalapa,
Ciudad de México
.



México, 2007






Ha sido miembro del sistema nacional de creadores desde 2000. En el campo editorial, sus fotos han sido publicadas en más de veinte libros y él es el autor de Sábado de Gloria, 1994, América Profunda, 1999, Litorales, 2000. También ha participado como conferencista en la mayoría de los eventos fotográficos en México, ha sido un juez de varias competencias nacionales e internacionales, y ha dado pláticas y cursos en los últimos diez años en varias universidades y los centros culturales en el país y el exterior.


"Sida"
1997
Plaza de la Soledad,
La Merced,
Ciudad de México.



Fuentes:




Está claro que la fotografía refleja lo que uno trae dentro. No importaron las circunstancias o técnicas de la época, al final cada fotógrafo registró su momento, a su manera. Hay trabajos tan excelentes que difícilmente se olvidarán. Con fuentes de inspiración como estás, fácilmente podríamos quedar atrapados por la fotografía.